Lauren Greenfield

Lauren Greenfield es una fotógrafa freelance que nació en Boston en 1966 y se crió en Venice (California), ciudad en la que aún hoy vive. Se graduó en la Universidad de Harvard, donde también trabajó realizando fotografías para el Harvard Crimson. Greenfield estuvo contratada en plantilla por National Geographic en 1990, y en 1993 contó con la ayuda de la revista para realizar su libro “Viviendo Deprisa: Creciendo bajo la Sombra de Hollywood”. Gracias a “Viviendo Deprisa”, Greenfield consiguió el Community Awareness Award de la National Press Photographers Association, exponiéndose la obra en el festival Visa pour l’Image en Septiembre de 1995.

En “La Cultura de las Chicas”, su trabajo más reciente (Diciembre de 2002), vemos a chicas que aún son niñas forzando sus pechos delante del espejo para que parezcan más grandes, o la frustración de aquellas que acaban con sus huesos en sórdidos campamentos veraniegos dedicados a la pérdida de peso. “Estoy interesada en la tiranía de las chicas delgadas sobre aquellas que no se adaptan al molde; en la competitiva carrera que disputan las más populares y en cómo se sienten igualmente insatisfechas porque su éxito no es tan fabuloso como parece, en cómo los sentimientos de rabia, frustración o tristeza son expresados de forma física o autodestructiva: dejando de comer, cortando sus cuerpos o siendo promiscuas. El exhibicionismo y el representar un papel son los elementos que definen la experiencia contemporánea de ser una adolescente. El tránsito de las niñas a la edad adulta ha sido completamente absorbido por las empresas, que explotan a conciencia el deseo de éstas de sentirse integradas y seguras de sí mismas”.

Las fotografías de Greenfield han aparecido en revistas como Time, Newsweek, Vanity Fair, Life, y el New York Times Magazine. Es miembro de la VII Photo Agency y ha llegado a ser calificada como una de las cinco artistas más rompedoras según la revista American Photo.

Su estilo se me hace parecido algo al de Oliviero Toscani, tiene ese toque, y de hecho su tema es el mismo, la igualdad entre las personas, en este caso muestra unas fotos de mujeres anorexicas, otras que creen estar anorexicas o por querer un cuerpo de "modelo" se crean estas enfermedades sin necesidad, y es como una forma de hacer conciencia estas fotos de ser simplemente tu mismo, no hay que imitar a otras personas. Más que nada lo que muestra en sus imágenes es esa frustración, angustia, coraje de esas chicas que no pueden conseguir el cuerpo de sus sueños y se ven en el espejo, pero lo que más me gustó es que plasma muy bien esa forma de sentir en los rostros de las chicas.

Nicéforo Niepce

En el año de 1822, Nicéforo Niepce, un químico francés, obtiene la primera imagen perdurable por medio del yoduro de plata. Usando una cámara oscura comprada a un fabricante llamado Chevalier logra, después de una exposición de ocho horas al aire libre, la imagen que desde entonces se conoce como "La mesa servida".

Posteriormente, Niepce se asocia con Daguerre, pintor y decorador, para continuar juntos experimentos con objeto de mejorar el procedimiento. Muerto Niepce, Daguerre continúa las búsquedas y descubre el "Daguerrotipo", procedimiento consistente en obtener imágenes sobre planchas metálicas impregnadas de vapores de mercurio.

Las imágenes de Niepce y Daguerre, eran obtenidas directamente en positivo, por lo tanto no podían reproducirse. Fue Henry Fox Talbot en Inglaterra, el descubridor del negativo y, por consiguiente, del sistema que permita a la fotografía su reproducción ilimitada.

Cuando Nicéforo Nièpce (1765-1833) logró por fin registrar y fijar una imagen del natural, en 1826, dio comienzo (muy humildemente por cierto), al desarrollo de este maravilloso invento que con el tiempo se llamaría fotografía.

José Nicéforo Nièpce el modesto inventor de diversos procedimientos que llevaron a la fotografía y que no logró disfrutar del reconocimiento y de los beneficios de su ingenio.

El invento fue perfeccionado por Luis J. Mandé Daguerre (1791-1851) quien. después de múltiples solicitudes para descubrir la "inexplicable" técnica logró un acercamiento que culminó en la formación de una sociedad con Nièpce en 1829. Luego de la muerte de Nicéforo, la empresa continuó con su hijo a quien convenció finalmente para disfrutar solo de los logros obtenidos. Así pudo consagrarse como el padre del primer método eficaz para la fijación de imágenes.

La fotografía nació oficialmente el 19 de agosto de 1839, en la Academia de Ciencias de París, con un dramático anuncio del diputado liberal Francisco Arago, que exaltaba la grandeza y generosidad de la nación francesa que adquirió los derechos del invento: "Francia ha adoptado este descubrimiento y se enorgullece de poder donarlo generosamente al mundo entero".

Es increible ver como podia tardar hasta 12 horas para que tomara la foto la cámara, era una paciencia enorme la que debió tener Nicéforo para estar todo ese tiemp, pero más aun el cansancio de los fotografeados. 

Richard Avedon

 

Reputado fotógrafo de moda y gran retratista comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

La idea que maneja me parece única, el hecho de hacer largas sesiones de foto con los personajes famosos para que se impacientaran y al momento de tomar la foto mostraran rostros verdaderos de enfado, cansancio, etc. De esta forma no sería una foto típica donde aparentan o fingen una sonrisa, sino sería lo más sincera posible como podemos observar en la foto aqui mostrada.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

Carlos Jurado

Nace en 1927 en el estado de Chiapas. En 1944 inicia estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y Maria Izquierdo.En 1951 trabaja en zona indígenas del país, produciendo materiales para la enseñanza.
En el transcurso de los años ha desempeñado diversas actividades tanto en la producción artística como académicas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.

Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas. Con este sistema trata de obtener ambientes y atmósferas sugerentes poco comunes.
a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Sus fotos son demasiado complejas para decifrar, no me transmiten mucho en lo personal, aunque la técnica que utiliza lo hace muy bien, las imágenes está muy bien tomadas, a mi parecer no hay una idea fija, pero si hay bastante técnica lo cual compensa un poco lo otro. Parece que cada foto tiene su propio tema y no hay uno fijo en varias imágenes.

Lewis Carol

Lewis Carol era solo un seudónimo, es decir, alias ya que su verdadero nombre era Charles Lutwidge Dodgson, Lewis tenía un poco de todo, era sacerdote, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico. Su afición en tomar fotos a la misma niña me parecen algo extraño, de hecho no capto exactamente que es lo que quiere transmitir con esas imágenes, me parecen que reflejan la inocencia de un niño ante la cámara y me parece muy interesante y compleja esta forma de tomar fotos ya que los niños parecen posar con gran profesionalidad, tal vez sea porque había confianza por parte de Lewis hacia ellos.

En 1856, Dodgson descubrió una nueva forma de arte, la fotografía, primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo de Oxford Reginald Southey y del pionero del arte fotográfico Oscar Gustav Rejlander.

Dodgson alcanzó pronto la excelencia en este arte, que convirtió en expresión de su personal filosofía interior: la creencia en la divinidad de lo que él llamaba belleza, que para él significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida. Esto, junto con su pasión por el teatro, que le acompañó durante toda su vida, habría de traerle problemas con la moral victoriana, e incluso con los principios anglicanos de su propia familia. Como anota su principal biógrafo, Morton Cohen: "Rechazó rotundamente el principio calvinista del pecado original y lo sustituyó por la noción de divinidad innata".

Fotografía de Alice Liddell por Lewis Carroll. (1858)

La obra definitiva acerca de su actividad como fotógrafo (Lewis Carroll, Photographer, de Roger Taylor), documenta exhaustivamente cada una de las fotografías de Lewis Carroll que se han conservado. Taylor calcula que algo más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas. Sin embargo, debe ser tenido en cuenta que menos de un tercio de la totalidad de su obra se ha conservado. La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin, hija del deán de la catedral de Winchester, a la que fotografió unas cincuenta veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió. Se supone que Dodgson destruyó o devolvió las fotografías de desnudos a las familias de las niñas que fotografiaba. Se creía que se habían perdido, pero se han encontrado seis desnudos, de los cuales cuatro han sido publicados y dos se conocen apenas. Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas.

La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retratos de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico.

Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años, dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de Tom Quad, y había creado unas 3.000 imágenes. Menos de 1.000 han sobrevivido al tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las circunstancias que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su registro fue destruido.

Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Julia Margaret Cameron, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del Círculo de Bloomsbury, en el que se hallaba Virginia Woolf. En la actualidad, es considerado uno de los fotógrafos victorianos más importantes, y, con seguridad, el más influyente en la fotografía artística contemporánea.

Manuel Alvarez Bravo

No puedo explicar con claridad en que consiste el arte de Manuel, pero le da un toque de misterio a todo lo que enfoca. El realismo de sus fotografías es bueno, la naturalidad con la que las personas se muestran frente a su cámara es fascinante, es decir, ni parece actuado y sus ambientes siempre están envueltos en una atmósfera de gran atractivo. Con el blanco y negro en una tierra de color, Álvarez Bravo capta el drama y la belleza de lo mexicano.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Breme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

En 1930 se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henry Cartier Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como Jonh Ford y Luis Buñel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Mauel fue un gran personaje además con bastante talento, tanto fue que hasta se metió en el mundo del cine lo cual fue un paso clave ya que como se menciona anteriormente, es lo que "consolida su madurez artística". Es un orgullo que también existan figuras mexicanas en estas materias y sobre todo que destaquen, lo que demuestra en si tenemos talento en muchas otras cosas, sin embargo, no hay las suficientes personas que reconozcan estos trabajos porque casi nadie tiene la noción de que existen, es decir, en la mayoría de los casos no hay interés más amplio de cultura.

Joel Peter Wilkin

No es un cazador de momentos. Sus fotos van más allá del simple click y dedica horas a componer y ambientar las escenas con toda la historia del arte muy meditada. "Me considero retratista, pero no de gente, sino de la condición del ser", ha dicho.

Monta unas luces que provocan grandes contrastes, de modo que sus desnudos queden modelados en grises pegajosos y profundos. Y luego dedica horas al tratamiento de las placas con raspados, veladuras, ácidos y óxidos para que se sienta a la fotografía también desde el daguerrotipo y el origen.

El norteamericano Joel Peter Wilkin, uno de los fotógrafos más reconocido (y rechazado) del mundo, presenta una veintena de sus fotos en la Galería Spectrum Sotos de Zaragoza, que de forma extraordinaria inicia con él su temporada número 30 desde su fundación, un 23 de marzo de 1977.

No se ajusta a los cánones de belleza que marca la televisión, ni a los modelos sociales que sólo apuntan a la estilización, al triunfo y al éxito, donde lo feo o lo muerto se deja de lado. Witkin, licenciado en Bellas Artes en 1974 ensalza el cuerpo obsceno, bien pervertido por su propia deformación (mutilados, hermafroditas, enanos...) o corrompido por la muerte (cadáveres de la morgue, miembros amputados...), y lo instala en una ambientación fantástica. Convierte al monstruo en un icono de belleza, contra todos los prejuicios hacia la sexualidad y la muerte.

La literatura y el cine acostumbran a sacar monstruos. No así la fotografía, que evoluciona buscando nuevos sujetos. "Lo que hace que una imagen sea poderosa es que, a diferencia de otros medios como el vídeo o el cine, aquí se trata de la quietud". Witkin afirma que "cuando realmente quieres decirle algo a alguien, lo agarras. Es lo que hace la imagen fija"

Mucha gente puede considerar su estilo demasiado bizarro y nada normal, o tal vez que Peter esta mal de la cabeza, pero tambien se puede ver de otra forma, ese punto de vista diferente, fuera de lo normal, es decir, no son solo otras fotos comunes y corrientes, él juega con elementos que otros no se atreven.

La rara belleza de lo horrible: me parece que se adecúa perfectamente este nombre a las fotos de Wilkin, muestra como también se puede hacer arte con lo que nadie imaginaba, aunque también pueda parecer algo retorcido este tipo de imágenes al menos desde mi parecer. Lo que quiere transmitir con estas fotos no me queda muy claro la verdad pero ciertamente tiene un atractivo único y desde mi punto de vista, algo así como no dejar a un lado a la muerte y a lo "feo" u "horrible" de las fotos que es lo que se hace por lo general al tomar una foto, se trata de que transmita vida o algun sentimiento puro o "bueno" pero el decide trabajar con ese otro lado de la foto, de lo "bello". Definitivamente Peter es uno de mis favoritos, debido a su originalidad y su atrevimiento para hacer este tipo de fotos, no todas las personas lo harían.

 

 Ese Hombre sin cabeza que reposa como quien mira la televisión, está muerto y eso lo sabemos porque le falta la cabeza. No es un montaje, es una persona real, es increíble como hace parecer que aun está vivo por su posición, como si estuviera simplemente descansando o durmiendo, y más que nada la posición de sus pies, que es donde creo que reside todo el punto de la imágen, porque en la forma que se encuentran es la clave para aparentar que aun sigue con vida, como si todavía los estuviera apoyando en el suelo y además trae consigo esos calcetines negros.

 

Julia Margaret Cameron

Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotográfos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight. En 1863 Rejlander fue a la Isla de Wight a fotografiar al vecino Tennyson y parece ser que Cameron aprendió las técnicas básicas de él. También estaba en la Isla C. Jabez Hughes que escribió que "Cuando las mentes busquen expresar ideas morales y belleza religiosa empleasen el arte fotográfico, entonces podrían orgullecerse de este arte e izarlo." Esta visión concuerda totalmente con la forma de ver la fotografía de Cameron. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó su intención de aliniar la fotografía con el arte, escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal". Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios esteticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar,Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el caracter poetico a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

 

Su estilo es único y en todas sus imagenes muestra ese sentimiento de tristeza y a la vez algo tetrico, algo asi tambien como angustia, la mirada en cada una de sus fotos es el principal atractivo a mi parecer, es muy profunda, llena de sentimieto y aunque tal vez sean actuadas se ven muy reales, sin embargo, como que quiere mostrar algo, un sentimiento enigmatico, será que influye mucho el hecho de que son en blanco y negro y proyecta eso, además que esa es su intención, darle esa nítidez que es como su sello que la identifica inmediatamente en sus fotos. 

La mayoria de sus fotos son tomadas a ella misma en el interior de su casa, lo cual lo hace un hecho increible el como logro convertirse en famosa por sus imagenes sin siquiera salir de su hogar, aunque tambien por la principal razon que fue reconocida es que tomo fotos a personajes famosos como charles darwin y desarrollo su talento a muy corta edad. Se dice que inclusive a veces mantenia a las personas en la misma posicion por largos periodos de tiempo para que la foto saliera como ella queria.

Misha Gordin

Misha Gordin nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras. El mismo nos lo cuenta:

Todas mis imágenes son ensambladas en un cuarto oscuro tradicional en virtud de una extensión usando una técnica de enmascaramiento desarrollado y perfeccionado en los últimos años.  Esta técnica tiene por supuesto sus limitaciones y me dirijo a ellas cuando se trabaja en ideas.  Además, antes de imprimir el original, hago pruebas y ajustes para cada negativo que se va a imprimir.  Yo escribo las tablas donde me indique la correcta exposición y todas las secuencias de manipulaciones para cada negativos utilizados.  Luego viene la etapa de “secado” de impresión. Esta parte es la más implacable. Proyecto meticulosamente un negativo tras otro, cambiando constantemente preciso máscaras hasta el último negativo que utilizo. Es como regresar con seguridad a casa después de un largo, largo viaje en coche. Esta parte tiene que ver con la disciplina y tiene muy poco que ver con el arte. Después viene el momento de la “sentencia” cuando la primera impresión surge del desarrollador.  Miro por posibles errores de la imagen en sí misma y siento una gran sensación de alivio cuando logro que la impresión sea “impecable”. Lamentablemente la técnica que yo estoy usando no tiene margen para errores. Se requiere una completa concentración y puede ser muy agotador física y mentalmente.

No es nueva la idea de manipular imágenes fotográficas. De hecho, en cierto grado, toda imagen se manipula. El verdadero poder de la fotografía surge cuando la realidad alterada se presenta como existente, y se da por supuesta, es decir, que te transmita en verdad ese sentimiento de realidad, que te haga pensar que lo que ves en la foto no es ficticio. Una imagen evidentemente manipulada acaba siendo engaño que muestra la carencia de comprensión del poder que posee la fotografía, si sabes como manipular bien una foto y jugar bien con los elementos y así mismo con la técnica y tu idea, la foto puede ser creíble en todos sus aspectos.

Las imagenes que nos muestra como esta, transmiten un sentimiento de opresión, cuando algo o alguien no te deja ser o actuar, al menos a mi manera de verlo.

La desesperación de no poder hablar se refleja en la cara del sujeto, el querer expresarse pero es apretado por esos hilos que representan o simbolizan la opresión y el número en la frente es algo asi como una marca que significa que es solo uno más del resto, su destino esta marcado, no tiene decision propia, como en las guerras, por ejemplo los judíos, quienes no tenían derechos y sus destinos ya esaban marcados. Sus cuerpos enterrados da a entender que no pueden hacer nada y lo único que les queda es hablar pero en lo cual también son callados.  

Estas son las imágenes que más me llamaron la atención de este autor más que nada debido a su manipulación.

Pictorialismo

El pictorialismo es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la primera guerra mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.

El punto de partida del movimiento viene determinado por la publicación en 1889 libro Naturalistic Photography de Peter Henry Emerson, donde su autor defiende que la imagen floue correspondía a la visión normal y superaba todas las formas artísticas, por influencia de los pintores impresionistas.

A partir de este momento surgen nuevos grupos y asociaciones dedicadas a la búsqueda de una fotografía artística construida sobre los valores propios de la fotografía. Es ésta una postura estética claramente diferenciada de las inquietudes de las primeras asociaciones dedicadas a la investigación técnica.

Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura,...). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.

A partir de esto la pintura de alguna forma se sustituyo con la imagen, era mucho mas facil crear una imagen con la fotografia y mas realista que la pintura. La creación de la cámara ftográfica vino siendo una herramienta muy útil para los artistas, aunque eso no quiere decir que sustituyó por completo a la pintura. A partir de este momento ya no creabas y plasmabas tus ideas tal y como las pensabas (como en la pintura que aunque es más tardado, las ideas son más sencillas de mostrar, tu solo imaginas lo que quieres y lo plasmas), sino que capturabas momentos reales, y si una idea surgía era un poco más complicado en cierta forma mostrarla ya que tenías que encontrar el lugar y el momento indicado donde tomar la foto.

Fotografia/conceptos

La foto es un registro del pasado, una representación de la realidad que te transporta a otro mundo sin la necesida de estar ahi fisicamente, un instrumento para documentar, crear historia sin texto, que es a la vez subjetivo y objetivo, mágico y poderoso medio de comunicación y de control político.

La imagen a su vez es arte, es algo verosímil, una memoria de acontecimientos pasados, es abstracta, una interpretacion del mundo, de la realidad y  tambien es un metodo de conocimiento.

¿Que es la camara reflex, como funciona, principios, aditamentos?

Es una imagen fotografica en la cual la imagen que el fotografo ve a traves del visor se consigue mediante el reflejo sobre un espejo o sistema de espejos.

La de 35mm ofrece el sistema de visor mas eficaz. Un espejo, con una inclinacion de 45 grados detras del objetivo, dirige la luz hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual elimina los errores de encuadre. El obturador de plano focal, está incorporado al cuerpo de la camara, permite cambiar el objetivo sin peligro de velar la pelicula.

Una ventaja de estas camaras es que se tiene concordancia de la imagen previsualizada y la final. El principal inconveniente es que son mas voluminosas y pesadas que las compactas.

La imagen/Villem Flusser

Flusser describe a un mundo fundamentalmente cambiado por la invencion de la imagen tecnica y los mecanismos que la apoyan y define la cultura moderna industrializada. Dice que la invencion dela fotografia permitio la creacion de imagenes (ideas) .

La imagen son superficies significativas, eso quiere decir que significan algo exterior, lo que ves en ella es lo que es, estas a su vez son objetivas y subjetivas. El sentido de la imagen se puede captar son una mirada, pero para darle un sentido más profundo se hace un registro o tambien conocido como scanning, con lo que cada quien le dara su significado, este depende de dos cosas, la misma imagen y el observador, su manera de pensar o sus ideologias, es por eso que se dice que una fotografia es mágica, puede tener miles de sentidos y formas de interpetarla y a la vez es una representación de la realidad. La imagen es un conjunto de simbolos connotativos.

Las 4 dimensiones de la fotografia son: el largo, el ancho, profundidad y el tiempo.

mapa conceptual

David Nebreda

No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado a no ser para salir del infierno. Estas palabras de Antonin Artaud, excepcional artista enfermo de esquizofrenia, sirven ahora para presentar las imágenes más impactantes del nuevo mártir del panorama artístico internacional. Heridas, amputaciones, flagelaciones y llagas en su piel (todas ellas reales y no simples performances fingidas) dan cuenta de la relación especial que la locura puede mantener con la creación fotográfica en el caso de David Nebreda (Madrid, 1952), que confiesa que su vida es muchísimo peor a lo que muestran sus ya de por sí desgarradoras imágenes. Enfermo de esquizofrenia paranoide desde que tenia 19 años, no toma medicación y su única terapia la constituyen sus propias fotografías. Una de sus imágenes (probablemente escrita con fluidos corporales) contiene el siguiente texto a veces entrecortado con palabras en sucesión sin formar frases completas: he conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos. Sólo conservar de mi patrimonio el silencio (…), movimiento, excremento, ritos…

David Nebreda

Encerrado en su casa durante veinte años, sin mantener relación con ninguna otra persona y sufriendo ayunos severos que le han mantenido en un estado de máxima delgadez, ha torturado su cuerpo al mismo ritmo que la esquizofrenia ha martirizado su mente. Ha vivido aislado del mundo en un piso de Madrid que nadie sabe donde está. Sin conceder entrevistas, ni ver la televisión ni leer ningún periódico. Sólo algún privilegiado ha conseguido al parecer arrancarle algunas palabras al propósito de sus obras. Vive bajo la tiranía de la tortura y del dolor que él mismo se ha impuesto para enfrentarse a los fantasmas de su mente. La cámara fotográfica ha sido fiel testigo de las autotorturas que ha llevado a cabo sobre su propio cuerpo de forma tan salvaje como ritual.

Al parecer, David Nebreda, licenciado en Bellas Artes, tras este encierro voluntario en su casa durante tantos años, entregó su trabajo a una persona conocida. Finalmente, sus imágenes fueron a parar a manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su local de París; donde el sociólogo Léo Scheer vio su obra y decidió hacerse editor para divulgarla. A partir de aquí, su obra ha sido motivo de numerosos debates en Francia. El propio filósofo Jean Baudrillard ha escrito un artículo sobre él. Pero, lo cierto es que su trabajo no se está divulgando al exterior como realmente merece a lo que probablemente contribuirá en cierta medida la salud delicada del artista.

Las fotografías de David Nebreda son un caso excepcional como puede verse, ya que su trabajo tiene la virtud de plantear cuestiones vitales para el arte contemporáneo que giran fundamentalmente en torno al cuerpo y al papel del artista en la sociedad en su cruce con el problema de la locura y sus relaciones con la imaginación y la creación artística. Pero, además de la imaginación, el trabajo del madrileño entra de forma brutal en el tema de lo siniestro; concretamente en dos de sus ámbitos estéticos: lo asqueroso y el dolor desde sus expresiones más masoquistas. Territorios explorados como nadie por un fotógrafo como Joel Peter Witkin pero desde una perspectiva diferente. Witkin siempre utiliza a otras personas y nunca a sí mismo y, además, emplea cadáveres para conseguir explicitar el asco desde una perspectiva de estetización de lo siniestro, mientras que David Nebreda documenta tanto el asco como el masoquismo sobre un ser vivo que es él mismo y jugando simultáneamente con la estetización y la explicitación de lo siniestro en un trabajo fronterizo pero “paradójicamente” gestado desde la radicalidad de unas experiencias contundentes del fotógrafo.

Pero también ambos artistas han abordado el tema del doble, de la pesadilla, de la tragedia, de la maldad, lógicamente también la locura y por tanto son conocedores de la ritualidad necesaria en la puesta en escena de lo siniestro, que en el caso de Nebreda se explicita en numerosas ocasiones en una exclusión de lo sexual en favor de destacar sus tormentos y pesares en autoagresiones. Por eso es un ser vivo provisional en todo caso, ya que sus imágenes se plantean como auténticos suicidios no consumados ante la cámara, pero un artista que rezuma autenticidad por los cuatro costados; de tal forma que frente a la precariedad del hombre David Nebreda crea una figura gigante del artista surgido de un medio como el fotográfico. Él mismo ha ido conociendo a la fotografía de forma autodidacta al mismo tiempo que ha saboreado los estragos de una enfermedad radical.

De todos los autores vistos éste en mi opinión fue el más impactante, con sus imágenes fuertes, plasmando sus ultimos momentos de vida, el proceso por el cual pasaba antes de llegar a su punto final. Por parte del autor pienso que hay una enorme valentía por lograr hacer este tipo de fotos y en cierta forma una resignación a morir pero dejando antes su huella por el mundo con estas magnificas representaciones pero escalofriantes de su sufrimiento. A pesar de estar en sus útlimas bocanadas de aire por así decirlo, se atreve a crear este tipo de imágenes y de alguna manera te hace sentir aunque sea un poco o más bien dicho, te comparte un poco de su sufrimiento en ellas, lo primero que me vino a la mente al ver sus fotos fue un pensamiento acerca de él, de como se sentirá, porque lo haría. Al igual que las fotos de Peter Wilkin, nos muestran el lado no "bello" de las fotos pero a la vez atractivo y con cierta "belleza rara", sus fotos son demasiado impactantes y en algunas da la sensación de estar muerto cuando solo está posando.

 

autoretrato

con mi autoretrato lo que intente de mostrar es aquel sentimiento escondido tal vez dentro de muchos de nosotros, esa mascara que muchos llevamos, pero sobre todo en lo personal, esa mascara de payaso que llevo simbolizando las risas y la alegria pero como un escudo para no mostrar mis reales sentimientos, la lagrima pintada que se esta derramando muestra la tristeza que hay escondida y esas ganas de sacar esa tristeza. En cierto punto transmitir el hecho de que las personas no me tomaran en serio en muchas ocaciones y como si solo fuera su creador de risas, su bufon para hacerlas sentir bien, pero sobre todo lo que más quise reflejar con la foto, es decir, el punto fuerte sobre el que trabaje fue la tristeza encerrada en el interior queriendo salir.

Vida Yovanovich

Vida Yovanovich (1949), ha participado en conferencias, curado varias exposiciones fotográficas, y fue miembro de la junta directiva del consejo mexicano de fotografía. En 1994, a través de Fondo Nacional para la cultura y las artes ella fue artista en residencia en el nexus  contemporary art center en Atlanta, EE.UU. En 1997 fue seleccionada para la presentación de su trabajo en la conferencia anual de s.p.e. en Dallas y en ese mismo año, fue invitada a participar en la Bienal de La Habana. Sus fotografías se han exhibido desde 1983 en más de 90 exposiciones colectivas por todo el mundo. Ella ha tenido exposiciones individuales en Cuba, Austria, Serbia, Francia, Estados Unidos, España, Sudáfrica y México. Ella ha sido profesora particular del FONCA, en su programa para fotógrafos jóvenes y miembro de su comité consultivo en fotografía. Su libro, “Cárcel de los Sueños”, con introducción escrita por Elena Poniatowska, fue publicado en 1997. En el año 2000, fue nombrada becaria de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation y desde 2001, ella es miembro del sistema nacional de creadores. Algunos de sus reconocimientos incluyen: primer premio. "Mujeres creadoras de la imagen", Bienal de Guadalajara; "Proyectos Especiales". Consejo mexicano para la cultura y las artes; "Beca de Ensayo" del Instituto nacional de bellas artes , México; mención honorífica premio Casa de las Americas, Cuba; segundo premio. " salón internacional",Asturias, España; primer premio. "Fotografía antropológica", INAH, México.

La motivación de Vida Yovanovich al emprender este cuerpo de trabajo ha sido capturar la esencia de individuos que ella ha logrado conocer, iluminar el carácter de su humanidad. Estas imágenes reflejan una relación intensa y de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, en la cual la cámara fotográfica se convierte en un testigo notable de un reino que a menudo ha sido exagerado, pero que aún más a menudo, ha sido ignorado

El don del artista consiste en ampliar esa relación hacia afuera para incluir al espectador. Al hacer esto, Yovanovich nos niega la posibilidad de neutralidad. En última instancia, debemos decidir si vemos lo capturado como existente pero afuera, lejano y sin relación con nuestra experiencia, o si identificamos a algo de nosotros mismos en las figuras que encarnan a la vida en su más grande precariedad y vulnerabilidad.

Sus fotos estan cargadas de ese sentimiento de desesperación y tristeza de las personas ancianas que lo unico que les queda es esperar a su muerte, en su colección de fotos llamada carcel de sueños. Nos muestra una serie de imagenes de ancianos y con las mismas fotos las palabras salen sobrando, sus rostros lo dicen todo, como pensando "cuando acabara esta agonia", lo que yo pienso que quiso demostrar es a esas personas olvidadas por sus seres queridos, abandonadas en un lugar desconocido, los asilos, o simplemente arrinconados en un espacio y sin voluntad propia en una casa dependiendo de los demás, siendo tratados como si fueran simples muebles o un estorbo, mientras sus vidas se van agotando poco a poco.

 Principalmente lo que más me gustó de este autor es que en cada foto presentaba una pregunta o una frase como si les estuviera haciendo esas preguntas a los ancianos y ellos le contestaran lo cual le daba aun mas fuerza a las imágenes.

 

Henry Cartier Bresson

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

Pablo Picasso Fidel Castro

 Che Guevara

Su obra fué expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como « el ojo del siglo ».

Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente(1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir.

Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

Esta foto en especial fue la que mas me gusto de Henry, tal como se menciona su intencion es captar en su camara ese momento decisivo, y aqui nos lo muestra claramente, es decir, es una foto que dice mucho, es una persona dando un paso hacia el agua pero se puede apreciar como lo hace con una seguridad como si fuera a emprender un camino y no tuviera duda de ello. Otro aspecto muy interesante de sus fotos es que logró captar las imágenes de personjes trascendentes y de gran prestigio, lo que demostrabasu calidad.

Un aspecto algo curiosos es que en su mayoria, las fotos son en blanco y negro, tal vez se deba a su intención de mostrar sus fotos como documentos de la historia y no meramente como estéticos.

 

Olivero Toscani

 Gurú de la comunicación o simple provocador, Oliviero Toscani no ha decepcionado a los muchos jóvenes que han acudido a su conferencia. Con vaqueros, americana blanca y sus gafas de pasta rojas, el fotógrafo italiano ha presentado sus obras y explicado su manera de ver el mundo.

 Este autor en especial se me hizo muy interesante y me gusto mucho por sus fotos muy atrevidas y explícitas, en las cuales muestra temas comunes de la sociedad y que sin embargo a la gente le parecen a un cierto punto ofensivas sus imágenes, lo cual me parce ridiculo porque refleja muy bien los temas como por ejemplo el racismo, pero en un buen sentido, es decir, muestra fotos de la unión de las personas de color o hasta el nacimiento de una persona, la cual censuraron, con lo cual estoy muy de acuerdo con el autor que dice que da verguenza como la sociedad ha llegado a un punto donde ni siquiera pueden ver algo tan natural como el nacimiento. Una en especial que capto mi atención, fue la que muestra a una persona agonizando a causa del cida, siendo esta otra foto por lo que se critico basante a Olivero, que hasta cierto punto estaban muy bien elaboradas y justificadas ya que la misma familia dio la aprobación de que se tomaran, en ella se apreciaba en todo sentido los sentimientos de tristeza de sus seres mas cercanos y la de la misma victima. A mi manera de ver, Olivero es una persona sin miedo alguno a lo que digan de él debido a su material, nos muestra la "cruda" realidad en la que vivimos con algunos de los temas que se han manejado desde tiempo muy atras y principalmente con los de la vida y la muerte que han estado presentes siempre.

 

En la primera conferencia de PHotoEspaña 2005, Toscani ha presentado sus más recientes proyectos y ha recordado los años en los que trabajaba en la moda y los de las famosas campañas publicitarias de Benetton.

"La fotografía no tiene que sufrir el complejo de la pintura porque ya la ha adelantado", ha explicado.

"Una foto tiene que ser publicada: está hecha para la comunicación de masas, no para estar pegada a la pared. Su fin es describir la condición humana", aclara comentando las obras en las que ha metido "la vida y la muerte, dos conceptos que nunca han entrado en la publicidad".

El italiano ha criticado el conformismo y el conservadurismo de gran parte de los publicitarios porque "llevan a la inmovilidad". "En esta profesión hay que arriesgarse, no hay que temer que alguien nos diga que lo que hacemos no le gusta", ha añadido.

"Actualmente, los medios de comunicación son como los refrescos: sirven para aplacar la sed, pero no tienen calidad ni nutren. Tendrían que estar al servicio de la humanidad y explicar ese nuevo mundo que cambia a la velocidad de un meteoro".

Desde su punto de vista, el único fin de las campañas promocionales que se hacen hoy es satisfacer a un ’target’. "No se escucha la creatividad y el resultado es una publicidad plana, costosa e inútil".

Según Toscani, el arte es la más alta forma de comunicación y desde siempre está al servicio del poder político o económico. Recuerda que podía realizar sus obras sólo porque mientras él trabajaba, Luciano Benetton "prosperaba". "Si un artista quiere ser libre tiene que enriquecer a su patrón".

El fotógrafo italiano aconseja a quien se ocupa de la comunicación "no tener ideas". "Quien tiene una idea no es creativo, la creatividad es una condición humana continua".

Definitivamente mi autor favorito de todos, todas sus fotos están cargadas de esa fuerza, ya sea para campañas u otros motivos transmite exactamente lo que se propone y sus ideas son muy originales, no pierde nunca su estilo, es decir, yo creo que si ves una foto de él inmediatamente lo identificarías. Estoy muy de acuerdo a su manera de pensar, el como hay que poner las cosas tales y como son aunque tengan esa crudeza que para unos pueda ser ofensiva pero parece ser que hoy en dia no hay otra opción mas que mostrarse así y su atrevimiento es de admirar por lo cual ha llevado gran controversia y a pesar de todas las críticas que se ha llevado no le interesa lo que piensen mientras el siga haciendo lo que le gusta.

Cindy Sherman

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas holliwoodenses de los años cincuenta . La serie ponía sobre l tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad.

lo que yo pienso de sus fotos es que transmite muchas cosas en ellas y aunque la verdad no tenga un pleno conocimiento de los temas que trata en ellas me parecen muy bien fabricadas. En las que sale pintada de payaso se muestra con un aire de burla hacia los personajes que interpreta, aunque también tiene algo de terror, algo que transmite un cierto miedo a menos a mi manera de ver. Las actuaciones frente a la cámara se ven muy naturales y pienso que en donde enfocas más la mirada es en toda la gama de colores y después en los ojos.